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Introduction à la musique de Druckman
par Mark Swed

Au coeur des oeuvres de Jacob Druckman, se trouve le geste téméraire, assuré et souvent dramatique dans son expression physique saisissante. Au cours de ses 40 années de composition, différents styles ont émaillé sa musique – des toutes premières partitions publiées telles que le Divertimento néo-classique de 1950, et les morceaux expérimentaux des années 60 pour instruments électroniques et traditionnels, aux tapisseries richement colorées pour orchestre des années 70. C'est un corpus de musique créé pour une grande variété de médias – instrumentaux, électroniques et vocaux – et c'est une musique qui s'étend sur une toute une gamme, allant du purement abstrait a l'explicitement théâtral.

Son sens inépuisable de la présence et de l'impact frappant du son est évident des ses toutes premières oeuvres, avec leur exubérance rythmique et leurs culminations mélodiques aiguës qui semblent prendre leur inspiration dans l'expérience du jeune compositeur alors qu'il était violoniste, chef d'orchestre et trompettiste de jazz. Mais au fur et à mesure que son écriture instrumentale et vocale devient plus sophistiquée, Druckman trouve des ressources de plus en plus créatives pour exprimer des situations dramatiques complexes et intenses. Dans des oeuvres comme celles de la série Animus, le drame devient une expérience viscérale à travers l'exploration de préoccupations humaines élémentaires telles la folie, la violence et la sexualité. Dans un exemple extrême comme le morceau, ironiquement intitulé, Valentine pour contrebasse seule qui exige une très grande virtuosité, Druckman requiert du soliste qu'il assaille l'instrument avec une férocité presque sadique.

Cependant, les partitions de Druckman ont toujours montré une autre caractéristique, à savoir une structure soignée, construite avec une attention méticuleuse pour le détail. Intégrer ces deux aspects de son caractère – I'expression physique passionnée avec l'organisation intellectuelle plus calculée des tons et rythmes – a toujours été une constante dans le développement du compositeur.

De tels aspects classiques et romantiques dans ses compositions – Druckman les a qualifiés d'apolliniens et de dionysiaques – se sont heurtés directement dans certaines de ses oeuvres les plus récentes à travers la construction de structures sur des références musicales. Par exemple, il a utilisé des citations musicales de façon très dramatique. Dans Delizie contente che l'alme beate (1976), pour quintette à vent et bande magnétique, des fragments d'une aria de l'opera de Cavalli Il Giasone hantent la partition; tandis que dans Aureole (1979), Druckman rend hommage à Leonard Bernstein par une construction éclatante basée sur les tons de l’air de "Kaddish" de la Troisième Symphonie de Bernstein.

On peut trouver un exemple de l’intégration de tous les aspects de la personnalité de Druckman dans Prism (1980), sa composition orchestrale la plus interprétée, où les trois mouvements sont fondés respectivement sur des citations de trois versions de l'opéra, Médée, de Charpentier, Cavalli et Cherubini. Dans chaque mouvement de Prism, Druckman réagit différement à la musique première de Médée, son en essayant de l'attirer en douceur dans le 20e siècle, soit en essayant de la fracturer avec agression. En conséquence, le drame ici se joue à plusieurs niveaux: par moments, les siècles musicaux sont en conflit direct tandis qu'à d'autres moments, le conflit semble naître de connotations d’opéras. Mais Druckman exploite toujours pleinement le potentiel de sa riche palette orchestrale pour créer un magnifique paysage acoustique qui transporte le public dans un monde aussitôt exotique, tout en gardant le pertinence et l'urgence de notre époque mouvementée.

Mark Swed, 1996
(Critique en chef du Los Angeles Times)

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